지휘자겸 성악가 강경원입니다
음악
Q. 교회마다 성가대가 있는데 성가대의 시작은 어디서부터 일까요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.성가대는 교회에서 찬양을 담당하는 음악 그룹으로, 그 유래는 기독교의 초대 교회로 거슬러 올라갑니다. 초대 교회에서 예배는 주로 구약 성경을 토대로 한 기도와 찬양으로 진행되었으며, 초기 기독교 교회에서는 이미 신앙 공동체의 일원들이 함께 찬양을 불렀습니다. 그러나 성가대가 본격적으로 형성된 것은 중세 기독교 시대에 이르러, 특히 4세기부터 12세기 사이에 성가대의 형태가 발전하기 시작했습니다. 그 당시 교회에서 성가대는 주로 성직자와 수도사들로 구성되었으며, 그들이 예배 중에 성경 구절을 노래로 부르기도 했습니다. 이후, 교회 음악의 발전과 함께 평신도들이 참여하는 성가대도 점차 확립되었습니다.성가대의 주요 역할은 예배 중 찬양을 통해 신앙을 표현하고, 신도들의 경건한 마음을 돕는 것입니다. 그들은 성경의 구절을 노래로 표현하거나 예배의 특정 순간에 찬양을 부르며, 예배의 영적인 분위기를 고양시킵니다.성가대를 하기 위한 자격은 교회마다 다를 수 있지만, 일반적으로 다음과 같은 자격이 요구됩니다:1. 음악적 소양: 성가대는 종종 합창과 음성 조화가 중요한 역할을 하므로, 기본적인 음악적 소양과 악보를 읽을 수 있는 능력이 필요합니다.2. 신앙의 열정: 성가대는 신앙의 표현이기 때문에, 참가자는 예배와 신앙의 의미를 잘 이해하고, 그 뜻을 찬양으로 나타낼 수 있는 열정이 필요합니다.3. 성실성: 성가대는 정기적인 연습과 예배 참여가 요구되므로, 일정한 시간에 참석할 수 있는 성실성이 중요합니다.4. 음성 훈련: 일부 교회에서는 성가대 참가자에게 음성 훈련을 제공하거나 음성 훈련을 받은 사람을 선호하기도 합니다.각 교회의 성가대에는 입단 조건이 다를 수 있으며, 때로는 오디션을 통해 선발하기도 합니다.
음악
Q. 바그너가 변화하는 음악..음악이 새롭게
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.변화와 보수적인 음악을 주장한 사람으로는 클래식 음악의 역사에서 몇몇 중요한 인물이 떠오를 수 있습니다.1. 리하르트 바그너 (Richard Wagner): 그는 전통적인 음악 형식과 규범에 대한 비판적 사고를 했으며, 음악의 혁신을 주장한 인물로 꼽힙니다. 그는 오페라와 음악극의 새로운 방향을 제시했지만, 동시에 보수적인 음악과 음악 형식에 대한 전통적인 시각을 가지고 있기도 했습니다.2. 요한 제바스티안 바흐 (Johann Sebastian Bach): 바흐는 전통적인 바로크 음악의 대표적인 작곡가였으며, 그의 작품은 변화와 혁신을 반영하기보다는 고전적인 음악 형식을 충실히 따랐습니다.반면, 음악 스타일의 변화를 거부하며 기존의 음악 스타일을 고수하려는 주장은 19세기 후반의 **리스트 (Franz Liszt)**나 **쇼팽 (Chopin)**과 같은 낭만주의 작곡가들에 의해 일부 비판받기도 했습니다. 그들은 때로 전통적인 음악에 대한 과도한 보수적 접근을 비판하고 새로운 음악적 표현을 강조했습니다.따라서 "음악 스타일을 바꿀 수 없다"고 주장했던 사람은 여러 해석이 가능할 수 있지만, 음악의 발전을 거부하거나 전통적인 형식을 지키려 했던 주장은 주로 19세기 이전의 일부 음악적 사고와 관련이 있을 수 있습니다.
음악
Q. 콘서트와 음악 페스티벌의 차이점은 무엇인가요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.콘서트는 한 아티스트나 밴드의 음악을 집중적으로 듣고 싶을 때 좋습니다.음악 페스티벌은 다양한 아티스트와 음악을 경험하고, 축제처럼 활기찬 분위기를 즐기고 싶을 때 더 적합합니다.자신의 음악 취향과 어떤 분위기를 선호하는지에 따라 선택하면 더 만족스러운 경험을 할 수 있을 것입니다.
음악
Q. 악기를 배우는 가장 좋은 방법은 무엇인가요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.1. 기초부터 차근차근 배우기이론 학습: 악기를 시작하기 전에 음악 이론의 기초(음계, 박자 등)를 배우는 것이 중요합니다. 기초적인 음악 이론은 악기 연주에 큰 도움이 됩니다.손이나 입의 자세 익히기: 악기를 배우기 시작하면 처음에는 손, 발, 입의 올바른 자세가 중요합니다. 잘못된 자세로 연습하면 나중에 습관이 되어 고쳐야 하기 때문에 처음부터 제대로 배우는 것이 중요합니다.2. 짧고 집중적인 연습처음에는 한 번에 너무 많은 시간을 투자하기보다는 짧고 집중적인 연습을 하는 것이 좋습니다. 하루 20-30분 정도를 집중해서 연습하며, 일정한 시간에 꾸준히 연습하는 것이 중요합니다.3. 기본적인 연습곡 선택처음 시작할 때 너무 어려운 곡을 선택하기보다는 간단한 연습곡이나 기초적인 곡들을 선택하는 것이 좋습니다. 이 단계에서는 기술을 익히는 것이 중요하기 때문에 곡보다는 연습에 집중하세요.4. 반복과 인내초보자는 실수를 많이 하게 되므로, 반복해서 연습하고 인내심을 가지고 나아가는 것이 중요합니다. 실수를 두려워하지 말고, 점차적으로 자신감을 쌓아가세요.배우기 쉬운 악기:우쿨렐레: 작은 크기와 간단한 구조로 배우기가 비교적 쉽습니다. 기본적인 코드와 리듬을 익히기 좋습니다.피아노: 키보드의 배열이 직관적이어서 음악 이론과 함께 배우기 좋습니다. 손가락의 독립성은 연습을 통해 쉽게 향상될 수 있습니다.기타: 피아노보다는 조금 더 어렵지만, 기본적인 코드와 리듬을 쉽게 배울 수 있습니다. 기타는 자주 접하는 악기이기도 해서 익숙해지기 쉽습니다.어려운 악기:바이올린: 음정을 정확히 맞추기 위해 손가락 위치를 정밀하게 조정해야 하고, 활을 다루는 기술이 필요해서 배우기 어려운 악기입니다.트럼펫: 입술의 긴장도와 발음 조절이 어려워 초보자가 익히기 힘든 악기입니다.플루트: 입술과 호흡 조절이 중요하고, 고음역대에서의 정확한 발음도 도전적입니다
음악
Q. 악보에서 다카포와 달세뇨의 차이는 무엇인가요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.1. 다카포(D.C., Da Capo)**다카포(D.C.)**는 "처음부터"라는 의미를 가집니다. 이 기호는 보통 곡의 처음으로 돌아가서 반복하라는 지시입니다. D.C.는 그 자체로 "다카포"라고 읽으며, 반복 후 처음부터 다시 연주하라는 의미입니다. 보통 D.C. al fine 또는 D.C. al coda 같은 추가 지시와 함께 사용되는데, 이들은 반복 후 어디서 끝내야 하는지를 지시합니다.D.C. al fine: "처음으로 돌아가서 fine(끝) 지점까지 연주하라"는 뜻입니다.D.C. al coda: "처음으로 돌아가서 coda(끝 부분)로 가는 지점을 연주하라"는 뜻입니다.2. 달세뇨(D.S., Dal Segno)**달세뇨(D.S.)**는 "표시된 곳으로 돌아가라"는 의미입니다. 이 기호는 특정 지점에서 반복하라는 지시입니다. **세뇨(𝄋)**라는 기호가 표시된 곳(보통은 악보에 '𝄋' 기호가 있는 곳)을 찾아서 그 지점으로 돌아가서 반복하라는 뜻입니다.D.S. al fine: "달세뇨(𝄋)로 돌아가서 fine까지 연주하라."D.S. al coda: "달세뇨(𝄋)로 돌아가서 coda로 가는 지점으로 연주하라."
음악
Q. 전세계적으로 가장 인기가 많은 피아니스트는 누구인가요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.피아노를 잘 치는 사람들은 매우 많지만, 전 세계적으로 가장 인기 있는 피아니스트들은 기술적 완벽성, 감정적 깊이, 독창성을 바탕으로 자신만의 음악적 정체성을 확립한 인물들입니다. 위에서 언급한 피아니스트들은 클래식 음악의 전통을 지키면서도, 동시에 현대 음악계에 큰 영향을 미친 거장들로, 여전히 많은 사람들에게 사랑받고 있습니다.마르타 아르헤리치. 유자왕.블라디미르 호로비츠.마우리치오 폴리니.다니엘 바렌보임. 레너드 전스타인. 등이 있습니다
음악
Q. 인상주의 음악과 표현주의 음악은 각각 어떤 음악적 특징을 가지고 있나요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.1. 인상주의 음악인상주의 음악은 19세기 말에서 20세기 초에 주로 프랑스에서 발전했으며, 클로드 드뷔시와 모리스 라벨 같은 작곡가들이 대표적입니다. 이 음악은 회화의 인상주의와 유사한 방식으로 감각적이고 모호한 분위기를 중시합니다.선율: 인상주의 음악에서 선율은 비교적 흐림과 모호함을 특징으로 합니다. 복잡하고 구체적인 형태보다는 부드럽고 유동적인 선율이 자주 등장합니다. 선율이 명확하게 드러나기보다는 다양한 소리와 음색이 얽히면서 '음악적 안개'를 형성하는 경향이 있습니다.화성: 전통적인 기능 화성에서 벗어나 화성학적 모호함을 추구합니다. 예를 들어, 구성음의 관계보다는 오르간 음처럼 음들이 겹쳐져서 느슨한 하모니를 이루는 방식입니다. 오르프화음, 전조의 자유로움, 4도와 5도의 화음 등 새로운 화성적 기법이 사용됩니다. 도미넌트-토닉의 전통적인 관계가 약화됩니다.리듬: 리듬은 자주 불규칙하거나 흐릿하게 처리됩니다. 인상주의 음악에서는 리듬의 경계가 명확하지 않으며, 유동적이고 자유로운 리듬이 주로 사용됩니다. 예를 들어, 슬로우 리듬이나 즉흥적인 리듬을 활용하여 일정한 박자를 찾기 어려운 경우도 많습니다.음색: 음색에 대한 관심이 매우 큽니다. 악기의 색깔과 그라데이션을 강조하며, 교차 화성, 음색의 다채로움을 표현하기 위해 다양한 악기 편성을 시도합니다. 예를 들어, 피아노에서 고유의 소리를 강조하거나, 관악기와 현악기의 부드러운 울림을 활용합니다.형식: 전통적인 음악 형식에서 벗어나, 형식이 자유롭고 고정되지 않습니다. 대개 자유로운 구조로 전개되며, 즉흥성이나 감각적 흐름이 중요한 요소로 작용합니다.2. 표현주의 음악표현주의 음악은 주로 20세기 초 독일에서 발전했으며, 알반 베르크, 아서 쇤베르크, 안톤 브루크너 등이 중요한 작곡가로 활동했습니다. 표현주의는 감정과 내면의 갈등을 극대화하여 음악을 통해 심리적, 감정적 충격을 전달하려는 목표를 가지고 있습니다.선율: 표현주의 음악에서 선율은 비정상적이고 파괴적인 성격을 지니며, 감정의 극단적인 표현을 추구합니다. 선율은 종종 고음역대에서 시작해 급격하게 변하거나, 불규칙적이고 각진 형식을 취하기도 합니다. 고통이나 불안 같은 감정을 나타내기 위해 극단적인 음정을 사용하기도 합니다.화성: 전통적인 화성을 완전히 거부하고 무조성 음악을 강조합니다. 12음 기법(Schoenberg의 기법)처럼 특정 음계나 조성에 의존하지 않고, 모든 음이 동등하게 사용되는 방식이 특징입니다. 그로 인해 화성은 고통스러울 정도로 불협화음적이며, 긴장감이 지속됩니다.리듬: 리듬은 불안정하고 불규칙적이며, 종종 극단적으로 빠르거나 느린 리듬을 사용하여 심리적인 압박감을 전달합니다. 리듬은 자주 단절적이고 교차적인 성격을 띠며, 고전적인 리듬 패턴을 부정하는 경향이 있습니다.음색: 음색은 감정적 강렬함과 극단적인 변화를 강조하는 방향으로 발전합니다. 악기의 극단적인 활용이나 음색의 변화에 집중하며, 음색의 거친 질감이나 예기치 않은 소리의 연출을 중시합니다. 예를 들어, 피아노는 강한 터치와 극단적인 역동성을 표현하기 위해 사용될 수 있습니다.형식: 표현주의 음악은 대개 고정된 형식이 없고, 자유롭게 구성됩니다. 일반적으로 기존의 음악 형식을 파괴하고 선율과 화성의 자유로운 변화를 통해 감정의 흐름을 표현합니다. 따라서 음악은 끊임없는 변형과 발전을 특징으로 합니다.요약인상주의는 감각적이고 자연적인 분위기를 추구하며, 표현주의는 내면의 고통과 감정을 극단적으로 표현하려는 경향이 강합니다.
음악
Q. 독일 음악교육학자 놀테가 음악교육학의 구조를 3단계로 체계화 했다고 하는데 어떤 단계들이 있나요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.독일의 음악교육학자 헬무트 놀테(Helmut Nolté)는 음악 교육을 체계적으로 분석하고, 이를 세 가지 단계로 나누어 설명했습니다. 그의 음악교육학 구조는 다음과 같습니다:1. 음악적 경험 (Musikalische Erfahrung)이 단계는 학생들이 음악을 경험하고, 직접 참여하는 과정입니다. 여기서 중요한 것은 음악을 단순히 이론적으로 배우는 것이 아니라, 실제로 듣고, 연주하고, 창작하는 활동을 통해 음악적 경험을 쌓는 것입니다.2. 음악적 이해 (Musikalische Erkenntnis)두 번째 단계는 음악에 대한 이해와 분석입니다. 음악적 경험을 바탕으로 음악의 이론, 구조, 형식 등을 학습하며, 음악에 대한 깊이 있는 지식과 인식을 형성하는 단계입니다.3. 음악적 표현 (Musikalische Ausdruck)마지막 단계는 음악을 통해 감정을 표현하고, 창의적으로 음악을 만들어가는 과정입니다. 이는 학생들이 음악을 단순히 감상하거나 이해하는 것을 넘어서, 자신만의 방식으로 음악을 창조하고 표현하는 단계입니다.놀테의 이론은 음악 교육이 단순한 기술 습득을 넘어, 학생들이 음악을 통해 다양한 경험과 감정을 표현할 수 있도록 돕는 것을 강조합니다.
음악
Q. 순환호흡이라는건 어떻게하는건가요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.순환호흡(Circular Breathing)은 주로 관악기 연주자들이 사용하는 기법으로, 공기를 끊임없이 공급하기 위해 입으로 내쉬는 동시에 코로 들이마시는 기술입니다. 이를 통해 연주자가 공기를 끊지 않고 긴 시간 동안 연주를 지속할 수 있습니다. 특히 색소폰, 트럼펫, 플루트 등에서 많이 사용됩니다.순환호흡의 기본 원리:1. 입으로 숨 내쉬기: 먼저 입으로 공기를 내뱉습니다. 이때 음을 내면서 내쉬면 소리가 계속 유지됩니다.2. 코로 숨 들이마시기: 입으로 공기를 내쉬는 동시에, 코로 빠르게 공기를 들이마십니다. 이 과정에서 입 안에 남아있는 공기를 이용해 코로 숨을 쉬는 동안 소리를 끊지 않도록 해야 합니다.3. 입과 코의 협력: 내쉬는 공기와 들이마시는 공기를 동시에 조절해야 하므로, 입과 코의 협력이 중요합니다. 숨을 들이마실 때는 목과 폐를 이용해 빠르게 공기를 흡입해야 합니다.연습 방법:우선 입으로만 내쉬는 연습을 하며 소리를 낼 수 있도록 익숙해지세요.그다음, 코로 숨을 들이마시며 입으로 내쉬는 연습을 동시에 시도합니다. 처음에는 짧게 내쉬고, 점차 그 시간을 길게 늘려가며 연습합니다.실제 연주에서는 이 기술을 자연스럽게 연주와 결합하여 사용해야 하므로 꾸준한 연습이 필요합니다.케니지와 같은 연주자들은 이 기법을 완벽하게 숙달하여, 긴 시간 동안 끊김 없이 연주할 수 있습니다.
음악
Q. 아침마다 따뜻한 물을 마시고 목을 풀어주는데도 노래를 부르면 목이 따가워요. 전문 기관에서 발성을 익히면 조금 나아질까요? 잘못된 발성이 문제일까요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.감기가 아닌지.... 그렇지 않다면 목을 너무 많이 쓰는듯 합니다.후~~하고 바람을 불듯목은 하품을 하듯 열고 호흡이 자나가며 성대가 자연스럽게 진동하게 나두는거죠!~ 이때 후두는 밑으로 다운되면 좋습니다ㅡ