안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.
미술
Q. 요즘 뜨는 화가가 누가 있을까요?..
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.최근에 주목받고 있는 현대 화가들 중에서 피카소나 마그리트와 같은 가능성을 지닌 이들이 몇 명 있습니다. 제가 생각했을 때 어느정도 거장의 가능성이 있는 화가들을 소개시켜드리자면데미안 허스트 (Damien Hirst): 영국의 컨셉추얼 아티스트로, 현대 미술의 상징적인 인물 중 하나입니다. 죽음과 생명, 상업성과 예술의 경계를 탐구합니다.아이 웨이웨이 (Ai Weiwei): 중국의 현대미술가이자 사회운동가로, 정치적 주제를 다루며 강력한 메시지를 전달하는 작품으로 유명합니다.제프 쿤스 (Jeff Koons): 상업성과 예술의 경계를 허물며 대중문화 아이콘을 다룬 작품으로 주목받고 있습니다. 색감과 형태에서 강렬한 시각적 임팩트를 줍니다.카라 워커 (Kara Walker): 인종, 성, 권력을 주제로 한 작품으로 주목받는 미국의 아티스트입니다. 사회적 이슈를 강렬하게 전달합니다.이 외에도 많은 젊은 작가들이 자신만의 독특한 스타일과 메시지로 현대 미술 씬을 이끌고 있습니다. 이들의 작품이 과거의 거장들과 어떻게 연결될 수 있을지 지켜보는 것도 흥미로운 일입니다.이정도가 있다고 볼 수 있겠습니다~어떻게 한번 좀 이 분들의 작품을 천천히 알아보시는 것도 좋을 거 같네요
미술
Q. 왜 모니터로 보는 색과 실제로 인쇄된 색이 다르게 보일까요?
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.보통 모니터에서 보는 색과 인쇄된 색이 다르게 보이는 이유는 주로 두 가지 색상 모델의 차이 때문입니다. 모니터는 RGB(빨강, 초록, 파랑) 색상 모델을 사용하여 빛을 직접 발산합니다. 반면, 인쇄물은 CMYK(청록, 자홍, 노랑, 검정) 색상 모델을 사용하여 잉크를 혼합해 색을 만듭니다. RGB는 빛의 삼원색을 기반으로 하여 색을 만들어내고, CMYK는 물질의 색을 혼합하는 방식이기 때문에 두 모델 간의 색 재현에 차이가 생깁니다. 그리고 모니터는 빛을 발산하므로 더 넓은 색 영역을 보여줄 수 있지만, 인쇄는 종이와 잉크의 특성에 따라 색이 다르게 나타날 수 있습니다. 예를 들어, 종이의 질감이나 표면 처리에 따라 색이 다르게 보일 수 있습니다. 이런 이유들 때문에 모니터에서 본 색상이 인쇄물에서 다르게 보일 수 있습니다. 보통 색상 일치를 위해서는 전문적인 색상 보정이나 프로파일링이 필요합니다.제가 드린 답변이 도움이 되었으면 하네요~ .,.
미술
Q. 그래피티는 어디서에서 부터 시작이 되었나요?
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.그래피티의 역사는 매우 흥미롭고 복잡하며, 현대 그래피티 문화가 어떻게 발전해왔는지를 이해하기 위해서는 그 기원과 주요 발전 과정을 살펴볼 필요가 있습니다.그래피티의 기원은 고대 문명으로 거슬러 올라갈 수 있습니다. 고대 로마와 그리스에서 벽이나 기둥에 남긴 낙서나 그림은 그 당시 사람들의 감정이나 의견을 표현하는 방식이었습니다. 이 시기에는 정치적 또는 사회적 메시지를 담은 문구나 그림이 많았습니다.현대 그래피티는 1960년대 후반과 1970년대 초반에 뉴욕에서 시작되었습니다. 당시의 사회적, 정치적 환경이 중요한 배경이 되었습니다.그래피티는 주로 지역 사회의 젊은이들 사이에서 인기를 얻기 시작했습니다. 이들은 자신을 표현하고, 자신들의 존재를 알리기 위해 거리나 기차에 이름이나 문구를 쓰기 시작했습니다. 이 시기에 사용된 기법은 대개 스프레이 페인트와 마커를 활용한 것이었습니다. 뉴욕 시의 지하철과 거리에서 그래피티 아트가 급격히 확산되었습니다. 이 시기에 많은 아티스트들이 자신만의 스타일을 개발하고, 서로 경쟁하며 독창적인 그래피티 작품을 선보이기 시작했습니다. 이들은 이름(태그)을 사용하여 자신을 알리고, 자신이 그린 작품에 대한 소속감을 느꼈습니다.1980년대에 들어서면서 그래피티는 단순한 낙서를 넘어서 예술의 한 장르로 자리 잡기 시작했습니다. 한마디로 그래피티는 고대부터 존재했지만, 현대의 형태로 발전한 것은 20세기 중반부터입니다. 사회적, 문화적 변화를 반영하며 성장해 온 그래피티는 이제 도시 문화의 상징으로 자리 잡았습니다. 이상 그래피티에 대해 설명드렸습니다. 제 답변이 도움이 되셨으면 좋겠네요~ : )
미술
Q. 데카르트와 스피노자를 주제로 그림을 그리는데
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.실체 개념은 인간의 인식과 관련된 중요한 개념 중 하나로, 근대 철학에서 논의되기 시작했습니다. 근세 철학에서 실체 개념은 중요한 역할을 합니다. 실체는 자아와 세계를 이루는 궁극적인 존재를 의미합니다. 이전에는 신이 실체로 여겨졌으나 근세 철학에서는 인간의 이성과 경험을 바탕으로 새로운 실체 개념이 등장하게 됩니다.기계론적 세계관에서는 물질을 중심으로 세상을 바라봅니다. 이때 물질은 분해되지 않는 최소 단위인 원자로 이루어져 있으며 원자는 운동법칙에 따라 움직입니다. 이러한 관점에서 보면 인간 역시 기계와 같이 작동하는 존재로 해석될 수 있습니다.스피노자는 실체를 '다른 것에 의존하지 않고 스스로 존재하는 것'으로 정의하였으며, 신은 물론 인간과 동물, 사물 등 모든 것이 실체가 될 수 있다고 주장했습니다. 데카르트는 정신과 신체를 각각 별도의 실체로 구분하는 심신 이원론을 주장했습니다. 정신은 사유와 의식을 담당하며, 신체는 물리적 세계와 상호작용한다고 보았습니다. 이러한 사상은 이후 철학과 과학의 발전에 큰 영향을 끼쳤다고 생각하시면은 그림을 그리실 때에 어느정도 도움이 되실 것입니다~!제가 드린 답변이 도움이 되었으면 좋겠네요 ._.
미술
Q. 추상주의에 대해 조사하고 있어요..
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.추상주의와 절대주의는 서로 관련이 있지만, 같은 개념은 아닙니다. 각각의 특성과 대표작가를 살펴보겠습니다.추상주의는 현실의 구체적인 형태나 이미지를 배제하고 색상, 형태, 선 등을 통해 감정이나 아이디어를 표현하는 예술 양식입니다. 20세기 초에 발전했으며, 감정이나 인식의 주관성을 중시합니다. 주로 회화에서 두드러지며, 다양한 하위 장르가 존재합니다. 절대주의는 카지미르 말레비치에 의해 발전된 예술 운동으로, 1915년경에 등장했습니다. 이 운동은 기본적인 기하학적 형태, 특히 사각형과 원을 사용하여 절대적인 미를 추구합니다. 말레비치는 물질적 현실을 초월하고, 순수한 감정과 경험을 표현하고자 했습니다. "검은 원 (Black Circle)"과 "검은 십자가 (Black Cross)" 또한 말레비치의 대표작으로, 형태의 단순성을 통해 순수한 개념을 탐구합니다.추상주의: 감정과 주관적 경험을 표현하는 폭넓은 예술 운동으로, 다양한 형태와 스타일을 포함합니다.절대주의: 말레비치가 창안한 특정한 운동으로, 기하학적 형태의 순수한 미를 추구하며, 물질적 현실을 초월하려는 목표가 있습니다. 이 두 운동은 서로 연관되어 있으나, 절대주의는 추상주의의 한 하위 장르로 볼 수 있습니다. 추상주의는 더 넓은 개념이며, 다양한 작가와 작품을 포함합니다. 이정도면 그림을 그리시는 데에 충분한 배경지식을 얻으셨을 거라 생각합니다.답변이 도움이 되었으면 좋겠네요~
미술
Q. 기계에 정신성을 부여한다면 어떤 형태가 나올까요
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.지능은 일반적으로 문제를 해결하고 학습하며 새로운 상황에 적응하는 능력으로 정의됩니다. 문제해결능력이 지능의 핵심 요소 중 하나로, 주어진 문제를 이해하고 해결책을 찾아내는 능력입니다. 이는 논리적 사고, 창의성, 비판적 사고 등을 포함합니다. 학습능력은 경험을 통해 정보를 습득하고, 이를 바탕으로 행동을 수정하거나 적응하는 능력입니다. 지능이 높은 경우 새로운 정보를 더 쉽게 습득하고 기억할 수 있습니다. 추론 능력 다양한 정보를 바탕으로 결론을 도출하는 능력입니다. 이는 명제 논리, 귀납적 및 연역적 추론 등 여러 형태를 포함합니다. 의사소통 능력 언어적, 비언어적 방법으로 생각과 감정을 표현하고 타인과 상호작용하는 능력입니다. 이는 사회적 지능의 중요한 부분으로, 인간 관계에서 중요한 역할을 합니다.정서적 지능 자신의 감정을 이해하고 관리하며, 타인의 감정을 인식하고 공감하는 능력입니다. 이는 대인 관계를 형성하는 데 필수적입니다. 정신성을 기계에 부여할 수 있는지에 대한 질문은 철학적, 윤리적 논의의 중심 주제입니다. 현재의 인공지능 기술은 특정 지능적 작업을 수행할 수 있지만, 진정한 정신성, 즉 의식, 감정, 자기 인식을 지닌 존재로 발전하기에는 여러 한계가 있습니다. 현재의 인공지능은 알고리즘과 데이터 기반으로 작동하며, 인간의 감정이나 주관적 경험을 이해하거나 경험할 수는 없습니다. 따라서 현재로서는 기계가 진정한 정신성을 가질 수 없다고 보는 것이 일반적입니다. 정신성을 부여하는 것에 대한 윤리적 우려도 큽니다. 만약 기계가 진정한 감정을 느낀다면, 그에 대한 도덕적 책임과 권리가 문제가 될 수 있습니다. 예를 들어, 인공지능이 고통을 느낀다면 어떻게 다뤄야 할지에 대한 논의가 필요해집니다. 지능은 문제 해결, 학습, 추론, 의사소통, 정서적 이해 등 다양한 요소로 구성되어 있습니다. 현재 기술로서는 기계에 진정한 정신성을 부여하기에는 한계가 있지만, 미래의 가능성에 대한 논의는 계속되고 있다고 보시면 될듯합니다.이렇게 생각하시면 지능과 기계에 대해 상상을 해보시는 데에 도움이 되실 거라고 봅니다 "-"
미술
Q. 마음의 거주자들이란 주제로 그림 그리려고하는데
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다. 마음의 거주자들은 다양한 성격을 가질 수 있습니다. 예를 들어, 의식의 거주자는 감정, 기억, 사고 등 다양한 상태를 대표할 수 있습니다. 이들은 서로 대화하거나 갈등할 수 있으며, 각기 다른 시각을 제공하여 우리의 행동과 결정을 형성하는 데 영향을 미칠 수 있습니다. 마음의 거주자들을 인격화하여, 각기 다른 성격의 캐릭터를 만들어 볼 수 있습니다. 한 캐릭터는 이성적이고 분석적인 성격을 가지며, 다른 캐릭터는 감정적이고 직관적인 성격을 가질 수 있습니다. 이렇게 다양한 캐릭터가 서로 상호작용하는 모습을 상상하면, 우리의 내면에서 벌어지는 복잡한 과정들을 시각화할 수 있습니다. 이원론은 마음과 신체가 서로 다른 본질을 가지고 있으며, 독립적으로 존재한다고 주장합니다. 대표적으로 데카르트의 관점이 있습니다. 이원론은 의식적 경험의 주관성을 강조합니다. 마음이 물리적 현상과는 별개로 존재할 수 있다는 가능성을 열어주므로, 개인의 자유의지와 도덕적 책임을 강조합니다.이원론은 두 가지 서로 다른 실체(마음과 신체)가 어떻게 상호작용하는지를 설명하는 데 어려움이 있습니다. 예를 들어, 감정이 신체적 반응에 어떻게 영향을 미치는지를 명확히 하기 어렵습니다. 또한, 물리적 과학의 발전에 따라 마음을 물리적 현상으로만 설명하려는 경향이 강해지고 있습니다. 일원론은 마음과 신체가 본질적으로 하나라는 입장으로, 마음은 물질적 과정의 결과로 간주됩니다. 물리주의가 대표적인 예입니다.일원론은 과학적 접근과 잘 맞아떨어지며, 뇌와 마음의 관계를 연구하는 데 있어 유용합니다. 또한, 일관된 설명 체계를 제공하여 마음의 현상을 물리적 과정을 통해 이해하려고 합니다.일원론은 주관적 경험을 충분히 설명하지 못할 수 있습니다. 감정, 의식의 질감, 개인적 경험 등의 주관적 요소는 물리적 현상으로 쉽게 환원될 수 없는 경우가 많습니다. 또한, 개인의 자유의지나 도덕적 책임을 간과할 위험이 있습니다. 마음의 거주자들에 대한 상상은 우리의 복잡한 내면 세계를 이해하는 데 도움이 됩니다. 이원론과 일원론은 각각의 장점과 한계를 가지고 있으며, 두 입장을 넘나드는 다양한 접근이 필요합니다. 이와 같은 철학적 탐구는 인간 존재와 경험을 더욱 깊이 이해하는 데 중요한 역할을 한다고 할 수 있죠.저의 견해가 어느정도 도움이 되셨기를 바라며 이만 줄입니다.감사합니다 ^.^ ..
미술
Q. 커미션 알아야 할 예절이나 필수 지식 있을까요??
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다. 커미션은 아티스트와 의뢰인 간의 신뢰를 바탕으로 이루어지는 거래이기 때문에, 원활한 소통과 예의를 지키는 것이 중요합니다. 커미션을 신청하기 전, 아티스트의 스타일과 작업물을 꼭 확인하세요. 자신의 원하는 스타일과 맞는지 판단하는 데 도움이 됩니다.각 아티스트는 커미션에 대한 규정이 다릅니다. 가격, 작업 기간, 수정 횟수, 사용 용도 등에 대한 규정을 미리 확인하고, 이에 맞는 요청을 해야 합니다. 커미션을 요청할 때는 항상 정중하게 접근하세요. “안녕하세요, 커미션을 요청하고 싶습니다”라는 식으로 시작하면 좋습니다. 원하는 그림에 대한 구체적인 설명과 참조 이미지를 제공하세요. 어떤 스타일이나 요소를 포함시키고 싶은지 명확히 전달하는 것이 중요합니다.아티스트는 여러 요청을 받거나 다른 작업도 진행 중일 수 있습니다. 따라서, 빠른 응답이 없더라도 기다리는 자세를 가지세요.결과물을 받으면 아티스트에게 감사의 메시지를 꼭 전달하세요. 이런 작은 예절이 아티스트와의 관계를 더욱 좋게 만듭니다. 그림을 공개할 때는 아티스트의 트위터 또는 인스타그램 계정을 태그하는 것이 일반적입니다. 아티스트의 사용자명을 올리거나, 커미션을 통해 얻은 작품임을 명시하면 좋습니다. 커미션 비용은 보통 선결제로 진행됩니다. 아티스트가 정해둔 결제 방식(페이팔, 계좌 이체 등)을 확인하고, 이 부분도 미리 준비하세요.이와 같은 예절과 지식을 통해 원활하고 긍정적인 커미션 경험을 할 수 있을 것입니다. 커미션 처음에는 어려울수도있지만 몇번하시고나면 금방 익숙해지실 거에요제 답변이 도움되셨을란지 모르겟네요~? : )
미술
Q. 클튜 화상 색조 레이어 질문드리겠습니다
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.클립 스튜디오 페인트(클튜)에서 사진을 가져온 후 색조 보정 레이어를 사용하는 방법에 대해 설명드릴게요.기본적으로 색조 보정 레이어는 새로운 레이어를 만들어 해당 레이어 위의 모든 요소에 적용됩니다. 만약 사진 자체에만 색조 보정을 적용하고 싶다면, 몇 가지 방법이 있습니다. 먼저, 가져온 사진 레이어를 복사한 후 색조 보정 레이어를 적용할 수 있습니다. 복사된 레이어 위에 새로운 색조 보정 레이어를 생성합니다. 이때, 새 레이어는 복사된 사진 레이어 위에 위치해야 합니다.색조 보정 레이어를 클릭하여 원하는 설정을 조정합니다. 이제 색조 보정이 복사된 사진에만 적용됩니다. 다른 방법으로는 레이어 마스크를 사용하는 것입니다. 이 방법은 좀 더 유연하게 색조 보정을 조정할 수 있습니다. 보정할 사진 레이어를 선택합니다. 새로운 색조 보정 레이어를 생성합니다. 색조 보정 레이어에 마스크를 추가합니다. 이를 통해 특정 부분에만 색조를 적용할 수 있습니다. 마스크를 선택한 후 브러시 도구를 사용하여 색조를 적용할 부분을 흰색으로 칠하고, 적용하지 않을 부분은 검은색으로 칠해 보정 효과를 조절합니다.클튜에서는 조정 레이어를 사용하여 특정 레이어에만 효과를 주는 방법도 가능합니다. 조정 레이어를 색조를 적용할 레이어와 그룹으로 묶어줍니다. 이렇게 하면 그룹 내의 모든 레이어에만 조정이 적용됩니다. 이와 같은 방법을 통해 특정 사진에만 색조 보정을 적용할 수 있습니다. 필요에 따라 가장 편리한 방법을 선택해 작업해 보세요이렇게 하시면 아마도 원하시는 효과를 적용하실 수 있을 거에요~ "
미술
Q. 그림연습 타블렛/아이패드로 해도 되나요?
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.그림 연습을 할 때 타블렛이나 아이패드를 선택하는 것은 요즘 많은 아티스트들이 선택하는 방식입니다. 디지털 드로잉 도구는 다양한 장점을 제공합니다. 첫째로, 디지털 도구는 수정이 용이합니다. 잘못 그린 부분을 쉽게 지우고 다시 그릴 수 있으며, 레이어 기능을 통해 그림의 여러 요소를 분리하여 작업할 수 있습니다. 이러한 기능들은 아이디어를 자유롭게 시도해 볼 수 있는 환경을 제공합니다. 특히 웹툰 작가 지망생이라면 다양한 캐릭터와 배경을 실험해보는 것이 중요한데, 디지털 도구는 이러한 창의적인 작업을 더 편리하게 도와줍니다. 둘째로, 디지털 드로잉은 색상 조정과 브러시 설정의 유연성이 뛰어납니다. 여러 가지 스타일을 시도해보고, 자신에게 맞는 브러시와 색상 팔레트를 쉽게 설정할 수 있습니다. 또한, 필터와 효과를 추가하는 것도 간편해 다양한 비주얼 스타일을 탐색하는 데 유리합니다. 웹툰은 일반적으로 컬러풀하고 다양한 효과가 많이 사용되므로, 디지털 환경에서 이러한 부분을 실험해보는 것은 큰 도움이 될 것입니다.반면에 종이로 연습하는 것도 매우 중요합니다. 종이에 그리는 것은 손의 감각을 기르고 기본적인 드로잉 기술을 연마하는 데 필수적입니다. 종이는 실제로 선을 그리는 물리적인 감각이 있기 때문에, 손의 움직임과 압력을 조절하는 데 도움을 줄 수 있습니다. 이는 아날로그 드로잉의 기본 원리를 이해하고, 형태와 비율, 명암 등을 익히는 데 매우 중요합니다. 특히, 스케치북을 가지고 다양한 주제를 그리는 것은 아이디어를 발전시키고 관찰력을 키우는 데 큰 도움이 됩니다.또한, 종이에서 그린 스케치를 디지털로 옮길 수도 있습니다. 먼저 종이에 자유롭게 스케치한 후, 그것을 스캔하거나 사진으로 찍어 디지털 드로잉 소프트웨어에서 활용할 수 있습니다. 이 방법은 아날로그와 디지털의 장점을 모두 활용할 수 있어 더욱 효과적입니다. 그러니 결국, 타블렛과 아이패드, 종이 모두 각각의 장점이 있기 때문에 자신의 스타일과 필요에 맞게 선택하고 혼합하여 사용하는 것이 가장 좋습니다. 초보자라면 기본적인 드로잉 기술을 종이로 연습하고, 나중에 디지털 도구를 활용하여 웹툰 작업을 진행하는 것도 좋은 접근법이 될 수 있습니다. 꾸준한 연습이 중요한 만큼, 어떤 도구를 사용하든지 자신만의 스타일을 찾아가는 과정이 중요하니까요.정리하자면, 타블렛과 아이패드로 디지털 드로잉 연습을 하는 것은 훌륭한 선택이며, 종이로 기본기를 다지는 것도 소중한 경험입니다. 두 가지 방식을 균형 있게 활용하며 자신만의 그림 실력을 쌓아 나가시길 바랍니다!제가 드린 답변이 조금이나마 도움이 되었기를 바라고 또 기원하겠습니다 : ) ~